Durante el Saló del Còmic tuve la oportunidad de entrevistar a Liniers, el genial autor argentino creador de una de las mejores tiras de prensa de factura reciente, Macanudo. Liniers nos visitaba para presentar en persona Conejo de Viaje (Reservoir Books / Mondadori), un álbum que recoge parte de sus diarios personales, cuadernos que dibuja durante sus viajes. La entrevista, al igual que las realizadas a Ray Harryhausen o Melinda Gebbie, tenía como destino IcatFM, pero a diferencia de esas dos (breves por diversas razones) aquí dispuse de más tiempo y la facilidad de compartir el mismo idioma. Eso hace que la versión íntegra, que es lo que les dejo a continuación, sea bastante más amplia que lo que se emitió en su momento.


Lo cierto es que Liniers es un tipo feliz, simpático y la mar de accesible. Sus risas son frecuentes (tanto que indicarlas en el texto sería repetitivo en exceso) y de vez en cuando imita el acento castellano con voz engolada. Su carácter extrovertido hizo que muy rápidamente la entrevista tomara forma de una charla amigable que se hubiera prolongado más si no fuera porque yo tenía que salir pitando para la emisora. Les dejo con Liniers.

ABS: Hola Liniers, lo primero felicitarte pues has sido padre hace muy poco.

LINIERS: Recién recién. Todavía me cuesta estar acá y no con Matilda. Era lindo venir e hice el esfuerzo, pero es más linda Matilda.

ABS: Se llama Matilda.

LINIERS: Sí.

ABS: Como el personaje...

LINIERS: … de Roald Dahl.

ABS: Matilda va a reducir la capacidad del conejo para viajar.

LINIERS: Sí. Por lo menos van a ser viajes más cortitos, así que aprovecharemos para ir a lugares más caros, donde uno se pueda gastar la plata... bueno, no creo. Me parece que no iré a ningún lado.

ABS: Por experiencia sé que viajar con niños supone ir muy cargado.

LINIERS: Sí, es una mudanza, no un viaje. Me estoy empezando a dar cuenta.

ABS: Me llama la atención que un autor que tiene la obligación de hacer una tira diaria encuentre el hueco para hacer un diario en forma historieta.

LINIERS: Lo que pasa es que generalmente, cuando hago un viaje como este, en el que estaré diez días fuera, adelanto el trabajo y entrego todas las tiras y así los días que estoy viajando, a la hora de comer o por la noche antes de quedar dormido, anoto lo que me pasó durante el día. Son pequeños bocetos directamente a tinta, sin lápiz previo y sin tener que escribir de manera profesional, con la responsabilidad de que estén realmente bien, sino como salen. Y de esa actividad nacieron estos cuadernos.

ABS: La idea del dibujante que viaja con el cuaderno en la mochila y se detiene a dibujar lo que tiene ante sí es muy romántica, me recuerda a los naturistas de la botánica o la fauna.

LINIERS: El ratito que tenés para sentarte a dibujar una viñeta en el cuaderno, como puede ser copiar un paisaje durante quince o veinte minutos, te lo guardas de una manera que no te lo guardarás si le sacas una foto.



ABS: ¿Y por qué se decidió publicar estos cuadernos? Porque esto en principio era una cosa que tú hacías para ti.

LINIERS: Sí, la verdad es que ya tenía varios cuadernos cuando los vio mi editora acá, en Barcelona. Y me dijo «tío, esto hay que publicarlo» (imitando el acento español). Me pareció muy simpático su entusiasmo, pero primero sospeché que quizá fuera porque ella aparecía en el cuaderno. Pero efectivamente, se entusiasmó tanto que ha acabado publicado en una edición muy linda.

ABS: Una de las cosas de Macanudo que más me gustan es como rompes estructuras habituales de un formato aparentemente rígido como es el de la tira. Demuestras tener un control, o eso parece. Conejo de Viaje se sale de tu habitat natural. ¿A partir de aquí te planteas la idea de un álbum, una historieta larga, de salir del marco de la tira?

LINIERS: Me gusta mucho la novela gráfica. Soy un gran consumidor del formato. Me gustaría, cuando sea grande, poder hacer eso, aunque por ahora no me sale; lo que sí tengo, en Buenos Aires, es una historieta larga que se publica en una revista que vende gente que vive en la calle. Me pidieron si podía hacer algo e inicié esa historieta continuada. Así que cuando acabe será una especie de novela gráfica, pero muy rara (se trata de Posters y se pueden ver algunas páginas buscando por aquí). En algún momento me gustaría mucho hacer algo así, lo que pasa es que la tira diaria te exige tanto tiempo de trabajo que luego es muy difícil disponer de la concentración que requeriría una obra de ese tipo, pero ya se dará el momento.

ABS: Aunque lo que se explican son viajes, aparecen tus amigos, tus lecturas. Revelas parte de tu intimidad, aunque lo que expliques sea tenue. ¿No te da pudor, vergüenza?

LINIERS: Hay un nivel, no tanto de vergüenza sino que te da como media impresión tener que mostrarte, y sobre todo que salga, porque la verdad es que aparecemos mi mujer Angie y yo porque los cuadernos los hacía para mí, para quedármelos, poder leerlos dentro de diez años y divertirnos haciendo memoria; pero en ningún momento he pensado, porque me costaría mucho, llegar a mostrarme al nivel de dibujantes como Jeffrey Brown o James Kolchalka, por ejemplo, autores que realmente ponen toda su vida en el papel. Yo mismo acabo de tener una hija y me cuesta mucho dibujarla, trato de dibujarla lo menos posible porque me da que es algo mío.

ABS: De hecho, al hacer la selección habrás descartado cosas por alcanzar ese nivel de intimidad.

LINIERS: Sí, hay un montón de cosas que saqué, muchas cosas que me quedo para mí; al fin y al cabo yp me uso en la tira de la misma manera que uso personajes que invento. Cuando Enriqueta dice algo, lo estoy diciendo yo, que soy el autor, de la misma manera que cuando dice algo Mafalda, lo dice Quino. Cuando digo algo como Conejo también es como si fuera un personaje. Y generalmente no muestro demasiado, hay un montón de cosas que me han pasado en los últimos años que no aparecen en las viñetas porque no tengo ganas de mostrarlas, sobre todo el dolor, cuando hay una pérdida en la familia y cosas así, que protejo.

ABS: La única cosa relativamente dolorosa que aparece en Conejo de Viaje es algún momento de la aventura en la Antartida en la que pasáis por condiciones climáticas duras y mucho frío.

LINIERS: Se puso fresquito. Pero ese viaje, en realidad, fueron 21 días con una sonrisa de oreja a oreja pensando «no puede ser que esté acá, en este lugar».
ABS: A mi me daría miedo, supongo. Estoy muy obsesionado con los relatos de horror que pasan en ambientes nevados.

LINIERS: Así te dará miedo El Resplandor.

ABS: También. Hay algo inquietante en estar sólo en medio de la nieve.

LINIERS: Es muy impresionante, porque son miles y miles de kilómetros en donde sabés objetivamente que no hay un solo cartel de publicidad, no hay un solo McDonald’s, no hay una sola persona. No hay nada excepto 200.000 pingüinos.

ABS: Y estaciones abandonadas.

LINIERS: Se las come la Antártida. Pasas por lugares y en algunos están los tipos ahí, pero hay un montón de estaciones abandonadas; es como que los echó la Antártica, que es tan árida como genial, pero como una persona que no aguanta las visitas y al par de días te dice «¡ándate!».


ABS: Siempre viajas acompañado de lectura. Qué has traído en esta ocasión.

LINIERS: Antes de coger el avión justo acababa de terminar la tercera entrega de Alatriste. Venía como aventurero español, como Alatriste (imita el acento castellano), y llegué muy contento porque tenía que comprar cómics por necesidad, para tener algo que leer. Me he comprado la biografía de Kikí de Montparnasse, buenísimo, y uno de Joann Sfar: El valle de las maravillas.

ABS: ¿Te gusta Sfar?

LINIERS: Sí, es una bestia. Me gusta mucho lo que están haciendo ese grupito de franceses: Sfar, Blain, Trondheim. Es como la nouvelle vague en cómic.

ABS: Par acabar, y con tanto viaje… ¿cómo afecta el jetlag a un dibujante?

LINIERS: Se pone más interesante. Siempre es bueno trabajar con el cerebro medio descolocado. Por lo menos hay más sorpresas, aunque no siempre buenas.

Nota: parte del material gráfico está pillado de aquí y de aquí, claro.

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Hace un par de semanas, o quizá más, el Dr. Max dejaba por aquí un enlace cargado de joyas: el Hunter's Planet of the Apes Archive. Es seguro que ya ha sido linkado en otros lugares con anterioridad, pero yo no había reparado en él. Y me extraña, pues todo los relacionado con la saga simiesca por excelencia ejerce un poderoso influjo en mi persona. Me lo explico, en el ámbito de lo personal, por un cúmulo de circunstancias: siempre quise el muñeco del soldado simio que se anunciaba en las contraportadas de Vertice y la primera secuela, Regreso al Planeta de los Simios, me aterró cuando me llevaron al cine siendo pequeño. La imagen de los gorila soldado tiene par a mí un estatus de monstruo mítico paralelo al de otras grandes criaturas del fantaterror; además, la colección de magazines de Marvel me encantaba (en especial, la serie Terror en el Planeta de los Simios, firmada por Doug Moench y Michael Ploog y sobre la cual no hace mucho se discutía en los comentarios de no sé ya que entrada) y la saga fílmica fue la primera paradoja temporal que comprendí en toda su sencilla grandeza. Escarben en Hunter's Planet of the Apes Archive porque hay muchas cosas que merecen la pena, aunque a mí me gustaría destacar un par de cosas: el pedeefe de un tebeo de origen húngaro (la portada es bellísima) y, especialmente, el apartado de coloreables y pasatiempos, que dulcifica el evidente impacto terrorífico de la película a partir de la simplicidad de la línea de lápiz, la imagen que dejo abajo, por ejemplo, es pura subversión: transmite paz donde en realidad hay un símbolo del apocalipsis. Lástima que no haya nada parecido con la adoración de la bomba atómica de la secuela. Yo, para celebrar el hallazgo, no puedo dejar de pinchar uno de mis temas musicales favoritos. Se trata de Ape Shuffle, una composición del gran Lalo Schiffrin para la banda sonora del piloto de la serie de televisión de 1974 que engrandecía como Cara Bé el single de la sintonía principal. Disfruten, bailen y hagan el mono.

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«Comparado con la industria del comic Hitler era un principiante»

El siempre enajenadamente lúcido Fredric Wertham, un tipo muy querido en estos lares. La frase la he encontrado en esta noticia de ADN, a la que llego a través de Culpable y Perdedor. Habrá que estar atentos a de The Ten-Cent Plague de David Hajdu.

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Ayer tarde, sorteando la furia de los elementos, me llevé a absencito a ver Speed Racer, la adaptación de los Wachosky del mítico animé televisivo, previamente manga, realizado por Tatsuo Yoshida en 1967-1968. Ambos disfrutamos de lo lindo con un espectáculo, conviene tenerlo presente, pensado para toda la familia y absolutamente intrascendente. Seria un error comparar Speed Racer con otra cosa que no sean las adaptaciones fílmicas de Los Picapiedra o Scooby Doo, por citar las primeras que me vienen a la cabeza y quizá porque el tipo de animación de Hanna y Barbera no estaba tan lejos de la practicada por los pioneros del animé televisivo. Y desde esa comparativa hay que decir que la película resulta muy beneficiada en su delirio multicolor y en el fantástico dominio que muestra del uso de las nuevas tecnologías digitales, pero también de determinados usos narrativos y de la fusión de lenguajes hoy tan relevantes como los de la animación japonesa o los videojuegos (por otro lado bastante hermanados). Hay quien puede pensar que la película no tiene alma, que quizá, aunque yo más bien apunto que la tiene, pero pensada para emocionar a niños de seis-ocho años (absencito tiene casi cuatro, por lo que sólo se emocionó bastante a ratos). Y hay quien lista bien muchos de los referentes, yo sólo añadiría esa joya del derribo setentero que es La Carrera de la Muerte del Año 2000: el look de Racer X, siendo fiel al original, es clavado al de Frankenstein/Carradine. Pero, por encima de todo, el referente total es el propio animé, incluso en esa revolución visual con que se promociona la película, y que no lo es tanto, auqnue sí muy interesante por lo que tiene de fusión entre animé primitivo y estética de videojuego. Probablemente un acto de justicia y de amor por parte de los Wachosky.

Yo, como saben, soy en parte un señor mayor. Uno de los hechos que lo demuestran es que fui uno de los niños fascinados por Meteoro, que así se llamaba el animé cuando se televisava por las tarde de un lejano 1971. Tendría unos cinco años y acabó por conformar uno de mis más añejos recuerdos televisivos. En concreto, había un episodio que quedó grabadoa fuego en mi por entonces tierna memoria. Era aquel en el que se enfrentaban a un camión gigante de carreras de 150 metros de longitud. Enésima muestra de que el gusto de la ficción nipona por el gigantismo siempre me impacto. La imagen del camión enroscandose como una serpiente alrededor del recorrido del Match 5 acabó por ser una imagen llena de tensión que imprimió por siempre su recuerdo.


Les explico esto porque me considero por ello capacitado para afirmar la tremenda fidelidad del filme al animé original. Casi todas las escenas vienen inspiradas por cosas que pasaban en la serie. Y a continuación tendrán un puñado de imágenes que así los demuestran. Sí, pese a todo el rollo escrito este es otro post visualmente abusivo. Pero es que además de esa fidelidad a la historia y personajes, con algunas variaciones en lo que respecta a la figura del corredor enmascarado Racer X y el diseño de un villano de disneyana raigambre, quizá la traición más usaca (con ese idealismo del capitalismo emprendedor y familiar enfrentado a las grandes corporaciones) junto al papel desempeñado por la escudería japonesa. Pero como les digo, además de esa fidelidad está el acto de justicia de las nuevas tecnologías para con el animé original, que no por añejo (¡cuarenta años!), primitivo y poblado de rasgos atezukados dejaba de estar poblado de hallazgos visuales en su curiosa lucha entre estaticidad presupuestaria y velocidad contextual. Meteoro (aka Mach 5 GoGoGo en Japón y Speed Racer en EEUU) estaba plagado de planos imposibles, de transiciones hipercolóricas, de explosiones exageradas, de circuitos retorcidos, de planos cenitales, de visiones subjetivas. Muchos de esos hallazgos fueron utilizados y evolucionaron hacie el anime actual, pero muchos otros coincidían con el de los primeros videojuegos de carreras, que aparecieron un poco más tarde. Es por eso que les digo que aplicar las nuevas tecnologías a la reformulación de Speed Racer es un acto de justicia y amor. Y ahora les dejo con la galería de imágenes. Los que vean la película reconocerán muchas de ellas.










Corriendo entre ciervos y jirafas, un momento que siempre me ha llamado la atención en los créditos originales y del que he encontrado a faltar algún guiño en la versión actual. Lo mismo me pasa con los créditos del final, que proponían un recorrido por la historia del diseño de automóviles, muchísimo mejor que ver las tonterias de Chim Chim al volante. Veanlo ustedes mismos.











Y para acabar, la genial cabecera original. Cantemos todos Match Go ¡Go Go Go!

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Lo que tienen arriba es el tema principal de Fist of Fury (Furia Oriental) tal y como aparece en el Long Play de la época. Canta Mike Remedios y yo no salgo de mi asombro cada vez que lo escucho ante esa amalgama imposible de croonismo barryano rancio con chillidos y fiufius patadiles de Bruce Lee. Si a eso añaden lo mucho que embellece el apellido de Mr. Remedios entenderán porqué tardé muy poco en buscar otros tesoros que se hallaran disponibles en la Central de Tutubos. El resultado son cuatro cortes de un concierto (aparentemente nipón y reciente) de Mike Remedios en el que acomete no sólo Fist of Fury sino también The Way of the Dragon (El Furor del Dragón), The Big Boss (Karate a muerte en Bangkok) y Game of Death (Juego con la Muerte). Una muestra, esquinada pero igualmente válida, de Bruceploitation, al fin y al cabo Mr. Remedios sacó un cedé (entre el homenaje y la explotación) en el que cantaba todos los temas principales (o no) que aparecían en las pelis de Bruce Lee, hubieran contado, o no, con su presencia. Lo que aún da más valor a la propuesta del crooner (de apellido probablemente filipino: el tipo no está ni en la wikipedia) es que prescinde del hecho que el Fenómeno Bruce Lee, desde el punto de vista de las bandas sonoras, no está exento del caos que le es propio, ya que todas sus películas cuentan con intros y soundtrack diferentes, ya sea porque los chinos diferencian la versión en cantonés de la mandarina o porque los distribuidores mundiales de las películas, muchos y puteros, eran muy dados a cambiar músicas e introducir de nuevas, quizá porque temían algún deje folklórico oriental. Para que comparen les dejo también algunas intros de las pelis en una entrada abusiva desde el punto de vista del Tutubo. Son las cosas del derribo.

Mike Remedios : Fist of Fury (Live)



Fist of Fury (Créditos yanquis)



Mike Remedios : The Way of the Dragon (live)



Mike Remedios : The Big Boss (live)



The Big Boss : créditos mandarines



The Big Boss : créditos yanquis



Mike Remedios: Game of Death (live)



Game of Death : créditos mandarines



Game of Death : créditos yanquis

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Explicaba por aquí, hace unas cuantas semanas, que estaba entrevistando a Josep Maria Beà y que la experiencia estaba siendo la hostia. Un par de larguísimos encuentros, un porrón de horas grabadas y el descubrimiento (o confirmación de la intuición) de que el autor de cómic que tanto me fascinaba era, también, una gran persona, riquísima en experiencias no sólo, ni muchísimo menos, relacionadas con el cómic. De hecho, una de las ideas era dedicar bastante espacio al otro Beà, el que coquetea con la electrónica, el que se fascina con la cirugía o el grabado decimonónicos, el que disfruta haciendo entes galácticos soplete en mano. Yo sólo puedo decir que es quizá mi mayor y más intensa experiencia en este tipo de lides. La entrevista ocupará un buen puñado de páginas del inminente Mondo Brutto número 39, que antes de final de mes se podrá encontrar en los puntos de venta habituales, un poco antes en Madrid. Ya les avisaré. Lo cierto es que este tipo de anuncios me gusta hacerlos cuando la revista ya está en la calle, pero como tenía la necesidad de comunicarlo a la tebeosfera (que a menudo no recae que en el MB suele haber cosas de Adanti, Olaf, Keko o Brieva), algunos blogs de tebeos (los que leo a diario) han recibido un correo con el .doc íntegro y parece que hay quien se lo ha leído en un plis plás: el carcelero mayor del reino ha tardado bien poco en promocionar el asunto . No se pierdan el enlace porque incluye algún fragmento a modo de aperitivo. A mi tan sólo me resta dar las gracias a Ruben Lardín por facilitar el contacto y, sobre todo, a Josep Maria Beà por tratarme tan bien.

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Enviado por Tnarik a una lista de correo. Los seguidores del Blog Ausente saben que el tema racial, desde el prisma de la cultura pOp, es una constante del Blog Ausente. A menudo tomado con cierto humor... eu... negro, pero siempre desde la admiración blaixploitation y funk-soulera. Pero un Tutubo como el que les dejo me desarma por completo. Es La Sociedad Borderline en su hórrido espledor.

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Ghost World: Mundo Fantasmal de Daniel Clowes (La Cúpula).
La edición en catalán del Ghost World de Clowes me sirve de excusa perfecta para releer esta maravilla ocho años más tarde. Y he vuelto a disfrutarlo mucho; incluso más. La forma que tiene de retratar cierta bizarrez de la sociedad norteamericana, hacerlo a través de los ojos de unas adolescentes que descubren fascinadas el universo de freaks borderlines que las rodea, fruto o no de su imaginación y grupo del que, al fin y al cabo, forman parte, me cautiva no saben ustedes cómo. La sutilidad elíptica que desprenden sus páginas, la autoironía de su autorretrato como miembro de esa misma comunidad o incluso cierto halo de tristeza que envuelve el final de la obra (y que desmonta mucho el clásico apelativo de frío) me seducen y desarman. Imprescindible.

Crumb: Recuerdos y opiniones de Robert Crumb y Peter Poplaski (Global Rhythm Press)
Libro sobre Crumb con sus gozos y sus sombras. De entre estas últimas destaca un precio desorbitado, un tamaño coqueto pero nefasto para la reproducción de algunas historietas y que, al fin y al cabo, la parte de texto, que recoge declaraciones y reflexiones del padre del underground sobre su vida y su obra, en algunos momentos se queda corto para quienes hemos visto el maravilloso documental (aquí subtitulado) que Terry Zwigoff le dedicó en 1994. Por otro lado, también es justo destacar el simpático disco que se adjunta (una antología de folk yanqui inmediato a cargo de algunos de los grupos de los que Crumb ha formado parte) o la apabullante cantidad de ilustraciones de todo tipo, muchas inéditas por aquí. Detalles que lo convierten, pese a todo, en imprescindible (con reparos) para los admiradores del creador del Gato Fritz, Mr. Natural o de sí mismo como personaje vestido de humor autopatético.

Fun Home de Alison Bechdel (Reservoir Books / Mondadori)
Uf. Palabras mayores. Lo mejor que he leído los últimos meses. Cómic autobiográfico centrado en una relación paterno filial poco común, con forma de viaje (Odisea, nunca mejor dicho) introspectivo en pos de un padre demasiado absorto en sus contradicciones. Me encanta esa atmósfera de gótico sureño que envuelve toda la historia, y que se centra en esa casa de obsesiva decoración rococó, pero también en ese pueblo opresivo donde todo lo que uno es queda puertas adentro, aprisionado; me encanta, quizá por ser debilidad, ver como los recuerdos del diario de la autora reflejan otra realidad, enmascaran realidades; y me encanta la tremenda, abrumadora, cultura literaria de la que hace gala sin demasiados aspavientos, más que nada porque no hay ánimo de aparentar sino deseo de describir la pasión por los libros y las grandes historias. Esta es una. Imprescindible.

El Salón de Nick Bertozzi (Astiberri)
Es curioso como entre éste título, Kikí de Montparnasse o No me dejes solo de Jason las vanguardias artísticas del París de entreguerras han irrumpido de golpe en mis lecturas. Y no está nada mal este fabulado salón de Gertrude Stein en el que algunos de sus visitadores habituales (Braque, Picasso, Satie, Toklas y Apollinare) parten, como si de Los Tres Investigadores se tratara, a la búsqueda de Gauguin para resolver el misterio del asesinato de artistas en las noches parisinas. Divertido, lúcido, alocado en su fantasía, con grandes reflexiones sobre narrativa gráfica y cubismo y un genial tratamiento de la absenta como droga de una generación. Bastante bueno.

Reyes Disfrazados de James Vance y Dan Burr (Norma)
Correctísimo álbum, multipremiado y que nos llega con casi veinte años de retraso. Quizá sea ese su gran problema, que hay que leerlo teniendo presente su contexto, como uno de esos primeros títulos que sirvieron para forjar una forma de hacer cómic que hoy parece imponerse en estanterías no necesariamente especializadas. Reyes disfrazados es una cruda y perfecta historia sobre La Gran Depresión, sobre la dicotomía humana que tanto nos vuelve monstruos como forja amistades entre los más débiles. Todo desde el punto de vista de un niño de doce años en su particular viaje iniciático a la miseria. Escribe el guión, inspirado en una propia y previa obra teatral, James Vance (que mira tú desconocía que fuera esposo de la fallecida autora de Omaha) y dibuja, con correcto realismo con dejes underground, Dan Burr. Bueno.

Hutch Owen de Tom Hart (La Cúpula)
Ejemplo perfecto de cómic que me leo sin saber de que va, que a priori me parece una cosa y acaba siendo otra distinta, y que acabo comprendiendo en cuanto me sitúo como lector (más tarde que pronto). Y es que uno, que a veces es muy primario, ve los dibujitos así como de underground caricaturesco y feísta, y cree que va a leer una pieza de humor más o menos burro, y no, se acaba encontrando con una lúcida parodia, carente de toda ironía, sobre el capitalismo borderline de finales del siglo XX, protagonizada por un activo sin techo anarquista y sabio. Vamos, que yo pensaba que me iba a leer una burrada a lo Johnny Ryan y me encuentro con una especie de versión en viñetas del No Logo de la Klein. Y claro, eso perjudica mi visión del álbum. Pasable hasta que te sitúas, y a partir de ahí no está mal.

Las Tres Paradojas de Paul Hornschemeier (Astiberri)
A ver cómo lo explico. Me agrada la delicadeza gráfica de Hornschemeier y aplaudo sus ganas de jugar al metalenguaje con cambios de estilo según lo que se cuenta: realismo de línea clara para el presente real, bocetos sin acabar para el trabajo del autor protagonista (el propio Paul), caricaturas a lo Hank Ketcham para los recuerdos de infancia, una especie de underground eceísta en tono sepia para la juventud, cartoon minimalista para la gracia de Zenon. Pero aún así me falla. No sé si la conclusión acaba siendo anecdótica, si todo lo contado acaba por ser aterradoramente elíptico, porque de tanto explicar sólo lo que va entre paréntesis se deshumaniza la historia y se desvanece todo rastro de pasión por contar una historia (y eso, al fin y al cabo, es lo que cuenta); añadan que su autor, tras la evidente estela del Clowes de Ice Haven, de Ware (y algún detalle a lo Burns), se quema en su frialdad. Fallido con cierto interés.

Nota: esta entrada es una variación sobre el guión del programa sobre cómics emitido el pasado 8 de abril y que se puede descargar aquí.

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Tras la dosis de sabiduría femenina de Melinda Gebbie, una galería de horrores publicitarios (casi todos localizados en los baules del livejournal dedicado a la publicidad añeja).


Un clásico. Si tu marido lo averigua algún día. Zurra por infidelidad cuando en realidad sólo le ha cambiado la marca del café. De todas formas, tampoco debemos caer en la trampa de demonizar o convertir en tabú el spanking o cachete en el trasero, que como juego erótico practicado en libertad puede tener sus seguidores.


Aquí no hay dudas: ¿Por qué las chicas solteras se van con los fumadores? Si la publicidad sobre tabaco tiene, a día de hoy, el atractivo de lo prohibido, esta promoción del Cigar Institute of America INC (¿por qué las corporaciones acabadas en INC dan tanto miedo?) alcanza límites insospechados al evocar la idea de la sumisa mujer cenicero.


Una de las campañas de tabaco más famosas de la historia y un buen ejemplo del sano ejercicio de mirar al pasado para comprender el presente (que tiene en el Dr. Repronto a su gran gurú multimedia). La imagen de una mujer con el ojo morado nos resulta hoy en día icónicamente atroz. La campaña, en realidad, venía a decir que los fumadores de Tareyton se dan de hostias antes que cambiar de marca. De todas formas, y por sembrar el también sano ejercicio de la duda, Tareyton tardó bastante en incluir la imagen de hombres con el ojo morado, de la misma forma que las últimas versiones del anuncio eliminaban el tono del maquillaje.


Sópla en su cara y ella te seguirá para siempre. Como ejemplo de llamada a la mala educación es impagable. Por no hablar del doble sentido al que nos hemos acostumbrado por la generalización actual de términos específicos del cine porno.


Lástima que la calidad de la imagen sea tan mala. Lucky Tiger, marca de productos para después del afeitado masculino, sublima el concepto de la mujer como trofeo. Lucky Tiger consigue las chicas, reza el eslogan mientras las muchachas lucen como trofeos aficanos en la pared. Con otro tono, una imagen propia de un cómic de horror precode... o del Malvado Zaroff.


En su no tan sutil atrocidad, este me parece la mar de simpático. El lugar de una mujer está al lado de su marido y no en el fregadero. Según como se lea es una llamada a la equidad. Pero otra lectura más sibilina también induce a pensar que propaga la idea utilitarista de la mujer como objeto de variadas funciones, limpieza y sexo en el anuncio, y que debe darse prisa en lo primero para cumplir con lo segundo. De todas formas, lo que me parece más gracioso es que la respuesta al problema no es el que el marido colabore, sino llenar el mundo de más mierda plástica poco reciclable: dispensadores de vasos de pvc.

En episodios anteriores:


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Durante el Saló del Còmic tuve la oportunidad de entrevistar a la dibujante Melinda Gebbie, esposa de Alan Moore y coautora, junto a su marido, de Lost Girls, la historieta erótica sobre Wendy, Dorothy y Alicia. Anoche se radió la entrevista en la sección semanal dedicada al cómic del Cabaret Elèctric de Icat FM. Pueden descargar el mp3 aquí, que incluye también un par de cortes de otra entrevista a los autores de la biografía de Kikí de Montparnasse (Sins Entido). También tenía en guión hablar de Valentina y de Tina Modotti pero no dio tiempo. Les dejo la transcripción escrita de mi conversación con Melinda Gebbie, una entrevista breve dado que su destino era radiofónico. Lo cierto es que Lost Girls fue una de las novedades más esperadas del Saló, como muestra el hecho de que en Norma, la editorial, han agotado existencias de la primera edición y ya andan preparando una segunda. Yo no quiero enjuiciar demasiado la obra hasta que se publiquen los tres álbumes de que consta, pero sepan que el primero me ha gustado mucho. Y ahora les dejo con Melinda.

ABS: En España se conocía muy poco tu trabajo como autora de cómics, pero lo cierto es que tu trayectoria es extensa en el tiempo: en los 70’s formaste parte de Wimmen’s Comics, una revista alternativa realizada sólo por mujeres.

MELINDA: En Wimmen's Comix éramos un grupo muy reducido, una docena de mujeres aproximadamente; en comparación, una quinta parte del número de hombres que por entonces hacían ese mismo tipo de cómics. Ellos eran muchos más, unos 40, y nosotras sólo doce. Las conocí en una pequeña convención y me invitaron a participar con un par de páginas. Wimmen's Comix fue la única revista underground realizada íntegramente por mujeres, mientras que las realizadas por hombres fueron muchas más.

ABS: Buena parte de tu obra es de contenido erótico, un género tradicionalmente dominado por el punto de vista masculino. ¿Qué implica ser mujer y especializarse en el género erótico?

MELINDA: Hay similitudes entre el físico y la relación masculina con la sexualidad y el físico y la relación femenina con la sexualidad; pero la primera es una relación muy obvia y la otra oculta… un poco porque siguen su propia apariencia natural. La mujer es misteriosa y el macho, de alguna manera, tiene un comportamiento sexual muy visible. Psicológicamente, ser mujer supone una filosofía que hace que todo el tiempo intentes que te comprendan al mismo tiempo que te esfuerzas por mantener el misterio. Por tanto, nos encontramos ante una dicotomía biológica y psicológica: el hecho de expresarse sobre sí misma y el deseo de mantenerse misteriosa. Así que, en la práctica, cuando una mujer explica la sexualidad femenina está teniendo un comportamiento más propio del varón, pues esta diciendo: «mirad, así es como funciona la sexualidad femenina».


ABS: Los problemas de derechos con los personajes de Peter Pan, que en EEUU eran de dominio público pero no en Europa, han provocado una larga espera. Y una vez superado ese paso, la sombra de la prohibición y la censura ha estado presente en Francia.

MELINDA: En un primer momento Delcourt decidió no publicar Lost Girls por miedo a la nueva ley francesa que censura y prohíbe imágenes eróticas protagonizadas por menores de edad. Yo estoy de acuerdo con una ley como esa porque busca evitar la difusión de un determinado tipo de pornografía que desgraciadamente todos conocemos. Al final los editores franceses consideraron que el contenido artístico de Lost Girls justificaba su publicación. En Canadá, un país con costumbres muy estrictas en cuestiones de pornografía, especialmente la relacionada con niños o animales, el libro se publicó precisamente por su nivel artístico, y al final acabó siendo una lectura muy recomendada por los propios libreros canadienses, de la misma forma que ha sido aceptado en Gran Bretaña, donde los críticos han alabado su contenido cultural.


ABS: Para acabar, la historia justifica la ambientación art decó, pero ese estilo y otros cercanos, como el modernismo, están muy presentes en tu trabajo.

MELINDA: Me interesa mucho el arte decorativo de un determinado contexto histórico; me gusta utilizar periodos de estética hermosa y detenerme en los vestidos elegantes, las arquitecturas elegantes y, en definitiva, la vida elegante. Henry Fuseli, el pintor, dijo que mientras las líneas de la virtud son rígidas, las del placer son curvas. Y esta sutileza de la curvatura del placer me interesa porque es muy sensual. Además, creo que hoy en día la mayoría de líneas que nos rodean son rígidas.

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En la comunidad de Livejournal dedicada a la publicidad vintage (lugar de donde salen bastentes de esos anuncios que tanto les gustan) han subido un tríptico editado en 1950 por el estado de Massachusets que explica qué hacer en caso de ataque nuclear con bombas atómicas. Un clásico de la sociedad borderline que me fascinará siempre, sea cual sea la variable en que se presente. En los 50's el fin del mundo estaba a la vuelta de la esquina y a lo grande. Ahora es una cosa más micro y menos cool, ciertamente. Les recomiendo le den un repaso, nunca se sabe. Para amenizar la lectura les dejo el fantabuloso Jesus hits like an Atomic bomb de Lowell Blanchard and the Valley Trio, procedente de esa joya de la cultura pOp que es The Atomic Cafe.

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